Continuamos este recorrido cinematográfico por lo más destacado de Cannes, Venecia y Londres 2025 con la segunda de tres entregas.
Si en la primera parte descubrimos diez obras que trazaban un mapa diverso de emociones y estéticas, esta segunda sección profundiza en territorios aún más complejos: poder, trauma, identidad, moralidad, humor negro y pura valentía narrativa.
Una invitación a seguir explorando este mosaico de miradas que definen el nuevo pulso del cine internacional.
Aquí nos adentramos en las películas 11 al 20, títulos que destacan por su fuerza interpretativa, su capacidad para incomodar y su extraordinaria sensibilidad.
Dramas psicológicos, reinterpretaciones literarias, experimentos formales, historias reales llevadas al límite y testimonios capaces de sacudir al espectador.
Diez films que confirman que estamos ante una temporada cinematográfica irrepetible.
Después de la caza
Después de la caza reúne a Julia Roberts y Andrew Garfield en un drama tenso e inteligente ambientado en el elitista mundo académico de Yale.
Cuando una estudiante de doctorado —privilegiada, directa y hija de un multimillonario donante— acusa de violación a un joven profesor, amigo íntimo del personaje de Roberts, el campus estalla.
El caso saca a la luz cuestiones de clase, raza y privilegios que nadie quiere afrontar. El plagio de la propia estudiante complica el panorama, convirtiendo su cruzada contra el patriarcado en algo más turbio y egoísta.
Roberts está magnífica en el papel de Ava, una profesora que equilibra la lealtad y la culpa, el intelecto y el instinto. Su interpretación transmite un dolor silencioso: el de una mujer que ve la verdad pero duda en enfrentarse a ella. Garfield le brinda un apoyo constante, y su presencia tranquila acentúa la tensión de la película.
Más que un thriller, After the Hunt es un rompecabezas moral que se detiene en cómo se construyen, se rompen y se protegen las reputaciones.
Es mesurada, inquietante y silenciosamente poderosa, muy parecida a la propia Roberts.
Hedda
Con magníficas interpretaciones de Tessa Thompson como Hedda Gabler, Imogen Poots como Thea Clifton y Nina Hoss como Eileen Lovborg, esta nueva versión del clásico de Ibsen infunde veneno y terciopelo a la historia del siglo XIX.
La interpretación de Thompson como Hedda es magnética: interpreta el papel como una gata ronroneante y maliciosa, que recuerda la elegancia y el peligro de Eartha Kitt, solo para desvelarse como algo mucho más letal: una venenosa mamba negra enroscada en seda.
Nacida como una bastarda mestiza de un general de la alta sociedad, Hedda es adorada y, al mismo tiempo, nunca del todo aceptada: la niña bonita de papá criada con la ilusión de pertenecer.
Su vida se convierte en una danza febril para mantener sus privilegios, una manipulación constante de las personas y el destino para mantener intacto su frágil poder.
El estilo de la película es tan agudo como su heroína. Cada fotograma vibra con la elegancia de su época —la moda, la música, la decoración— y todos susurran la misma verdad: la belleza puede ser un arma.
Hedda, que compite en el Festival de Cine de Londres de este año, destaca como una de las pocas contendientes lo suficientemente atrevidas como para fusionar el teatro psicológico con la seducción cinematográfica. Tiene garras y algunos buenos argumentos para ganar este año.
Conejo Negro Conejo Blanco
La película comienza con escenas del rodaje de una película, o tal vez con escenas rodadas dentro de una película, sobre el rodaje de la propia película. Se repite sin cesar, difuminando lo que es real, lo que es escenificado y lo que es imaginario.
Mokri construye un vertiginoso salón de espejos en el que cada toma se pliega sobre otra, hasta que el espectador no sabe si está viendo la historia, su realización o ambas cosas colapsando juntas.
Dentro de ese caos, la película que se está rodando resulta ser una especie de fantasía, en la que los accesorios se mueven e incluso hablan, y la protagonista parece ejercer poderes sobrenaturales. Es divertida, casi absurda, y añade una extraña magia a la estructura, por lo demás cerebral.
Algunos encontrarán ingenioso el experimento de Mokri: un juego mental sobre el cine en sí mismo. Otros pueden cansarse de su repetición, de las interminables capas que insinúan un significado sin llegar nunca a concretarse en uno. Pero no se puede negar el talento —y el descaro— que hay detrás.
Black Rabbit, White Rabbit pone a prueba la paciencia tanto como recompensa la curiosidad. Sales sin estar seguro de lo que has visto, pero con la certeza de haber sido testigo de algo que solo Mokri podría lograr.
Reflexión en un diamante muerto
Esta película de acción trepidante y sin pausa parece una parodia, una versión alucinante y sarcástica de una película de James Bond bajo los efectos del ácido.
Tiene ese estilo retro europeo elegante, lleno de ironía y actitud. Pero el estilo empieza a repetirse —los mismos gags, las mismas persecuciones, las mismas sonrisas burlonas— hasta que se vuelve insustancial.
Sinceramente, podría haber tenido más impacto como un cortometraje ingenioso y elegante, en lugar de alargar su arrogancia a lo largo de un largometraje.
Orwell: 2+2=5
Un análisis reflexivo sobre la historia, la política y las verdades cambiantes de nuestra sociedad, visto a través de los ojos de un humilde chico de Eton, que llega a una tranquila comprensión, una iluminación de las sensibilidades más profundas de la vida.
Un tapiz de momentos, extraídos de archivos políticos y fragmentos de cine, entretejidos con inteligencia e intención, que forman una meditación sobre el poder, la percepción y el frágil equilibrio entre la creencia y la realidad.
El mundo del amor
¿Cómo vive una persona joven con el trauma provocado por algo tan devastador como una agresión sexual en la primera infancia?
La directora Yoon Ga-eun aborda esta cuestión con calma y compasión, sin caer nunca en la tragedia ni en el exceso, sino con una tranquila firmeza que permite que la historia respire.
La película sigue a unas jóvenes que sufrieron agresiones cuando eran niñas y narra cómo llevan consigo ese pasado mientras aprenden a vivir, a sanar y a inspirar a otras personas que comparten un dolor similar.
Ofrece una sensación de esperanza, una reflexión para cualquiera que haya soportado tanta oscuridad, mostrando que, a través de la aceptación y la comprensión, uno puede hacerse más fuerte y seguir adelante con una dignidad mesurada y razonable.
Un drama coreano de notable moderación, que afronta las heridas más graves con delicadeza, revelando el silencioso poder de la resistencia.
Balearic
Balearic, de Ion de Sosa, se inscribe en la actual ola cinematográfica que parece un renacimiento —o quizá una reinvención— del cine negro y de culto europeo de los años setenta. Esa textura granulada y estilizada de las películas de serie B, en la que todo —desde la iluminación hasta el corte de una chaqueta— parece deliberadamente compuesto, estudiado y casi demasiado perfectamente imperfecto.
Hay cierta ironía en esta tendencia: una carta de amor al cine del exceso, pero ejecutada con moderación e inteligencia. El montaje, el ambiente, incluso la artificialidad, todo está finamente ajustado para evocar esa disonancia nostálgica.
Este tipo de películas no siempre deben tomarse en serio; existen en ese delicioso espacio entre el homenaje y la parodia. Balearic encaja ahí: juguetona, elegante, a veces absurda, pero totalmente consciente de sí misma. Una antítesis de las propuestas excesivamente serias de los festivales.
La elección de De Sosa de contratar a actores aficionados es parte del encanto: su presencia cruda y sin pulir añade una autenticidad que completa la ilusión, en perfecta sintonía con esta tendencia aparentemente nueva de las películas de culto de serie B.
Frankenstein
De principio a fin, Guillermo del Toro nos ofrece una película de oscura belleza, una visión a la vez trágica y tierna. No se centra tanto en el monstruo como en lo que lo crea. La atmósfera respira con gracia gótica, cada fotograma está diseñado con la precisión de un pintor, pero lleno de emoción.
Del Toro aporta un nuevo ángulo a la historia de Frankenstein, con una reflexión más profunda sobre la vida, la muerte y la creación. Va más allá del cuento familiar para explorar lo que realmente significa ser humano, lo que significa ser un monstruo y cómo la inocencia puede sobrevivir incluso en el alma más oscura.
Esta es una película tanto de sentimientos como de forma, donde el intelecto se une a la compasión y la belleza de la empatía se convierte en su centro silencioso.
Quizás la mejor Frankenstein hasta la fecha, una obra de tristeza y esplendor, elaborada con corazón, profundidad y gracia. Sin duda, una de las películas imprescindibles del año.
¿Esto está encendido?
Una historia de autodescubrimiento a través de la forma más inverosímil de terapia: la comedia stand-up.
A medida que la vida se desenreda, el escenario se convierte en un confesionario, donde el humor se transforma en honestidad y el dolor encuentra su ritmo.
La película aborda la turbulencia de la mediana edad, tanto para hombres como para mujeres, las dudas, las crisis y las preguntas sobre el amor, la conexión y cómo perduran las relaciones. Muestra cómo afrontar estos retos con valentía y humor puede ayudar a que una relación evolucione y perdure.
¿Está encendido esto? trata sobre la verdad que sale a la luz cuando menos lo esperamos, sobre la risa que repara lo que el silencio rompe y sobre aprender a empezar de nuevo: refrescante, crudo y profundamente humano.
Quizás una película imprescindible para las parejas de mediana edad, tanto las que siguen casadas como las que contemplan la separación y el divorcio.
La voz de Hind Rajab
Tras ganar el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Venecia de este año, La voz de Hind Rajab parece dispuesta a repetir su éxito en el Festival de Cine de Londres.
No es una película que se vea por placer. Es cruda, inquebrantable y, en ocasiones, casi insoportable, pero ahí reside precisamente su fuerza. Con su honestidad descarnada y su claridad moral, se convierte en algo esencial.
Al convertir las últimas palabras de un niño en un llamamiento a los demás, nos recuerda que detrás de cada estadística de guerra hay una vida, una voz, una súplica.
No reconforta, sino que confronta, y al hacerlo, cobra importancia.
