El Expresionismo (1905-1920) fue un movimiento cultural que surgió en Alemania como respuesta a una ansiedad y angustia generalizada. Si Francia y Rusia habían tenido sus revoluciones, esta fue, aunque mas tarde y menos violenta, una oposición de los artistas contra las ideologías políticas y culturales.
Mas que un estilo, fue una actitud de protesta y una forma de entender el arte, que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas. Se plasmó en muchos campos como pintura, arquitectura, cine, literatura, teatro, fotografía… y hasta en la danza.
Reinaba una gran desilusión por la relación cada vez más discordante de la humanidad con el mundo y el sentimiento que unía a todos era una pérdida casi total de sentimientos espirituales. Todo esto se comprende pues esta época estuvo tristemente marcada por la Primera Guerra Mundial (1914-1918), que cambió todos los esquemas vitales y artísticos.
El movimiento expresionista fue una reacción contra la forma de vida tradicional, contra la política feudal del Kaiser Guillermo.
En el campo del arte, los pintores reaccionaron contra el Impresionismo francés, el Naturalismo y el arte clásico académico. Defendían un arte personal e intuitivo donde predominaba la visión interior del artista.
Los expresionistas se inspiraron principalmente en las corrientes esotéricas del Simbolismo de finales del siglo XIX. Coincidió en el tiempo con el Fovismo francés, hecho que convirtió a ambos en los primeros exponentes de las llamadas Vanguardias Históricas.
Con sus colores violentos, casi histéricos, y su temática de soledad y miseria, reflejaban la amargura que invadió a artistas e intelectuales. Esa tristeza provocó un deseo de cambiar la vida y de renovar los lenguajes artísticos.
Los expresionistas tenían una gran admiración por el noruego Edvard Munch, el holandés Vincent Van Gogh y el francés Paul Gauguin. Los tres, anteriores al Expresionismo en el tiempo, defendían un concepto muy expresivo del arte y fueron los pioneros en plasmar su mundo interior en sus obras.
Estos precursores junto con James Ensor, fueron sus influencias clave. Fueron los primeros en transmitir un sinfín de ansiedades y anhelos, alentando la distorsión de la forma y utilizando el color con total y absoluta libertad.
El expresionismo no busca la belleza como fin, sino la expresión de un estado de ánimo, un sentimiento, una idea que nace del artista. Expresan el sentido dramático, un estado de ansiedad, de miedo, impotencia y soledad.
En la época, se generó un clima de negativismo y depresión. Era el momento de rebelarse contra la academia y en contra del régimen imperialista del Kaiser. Estaban completamente en contra de la tradición. Surge así su inspiración del Arte Naif, un arte infantil que no requería estudio, ni reglas. Otro de sus artistas favoritos fue el francés Henri Rousseau.
La Primera Guerra Mundial confirmó los miedos y el decaimiento moral, contribuyendo a formar el carácter dramático y melancólico de los artistas. Buscaban enfrentarse a la realidad viviendo de manera brutalmente honesta y sin prejuicios. Todo concepto moral dejó de existir.
En el arte Expresionista la imagen de la realidad se distorsiona para expresar los sentimientos más profundos del artista. Presta especial atención a su mundo personal y plasma los efectos del subconsciente. Un psicólogo vería claramente que fue una consecuencia del efecto deshumanizador de la industrialización y la guerra. Tratan de captar las emociones en lugar de representar personas, eventos y objetos. Este movimiento artístico ignora la realidad objetiva para plasmar lo que pasa por la mente y el corazón.
El expresionismo fue un grito de protesta, una reacción contra la vida misma, el positivismo, el naturalismo y los estilos anteriores.
Muchos artistas incorporaron la fantasía, la violencia y el sexo casi pornográfico en sus temas para mostrar emociones extremas como ira, pasión y, a menudo, el lado mas oscuro del ser humano. Muestran el mundo desde una perspectiva puramente subjetiva y distorsionan el tema para lograr un efecto emocional.
Los artistas desean evocar estados de ánimo o ideas en la mente del espectador. Para conseguirlo emplean colores subjetivos, sin ninguna relación con el colorido real. Por ejemplo, pintan una cara verde y un cielo naranja. En el arte expresionista, el color puede ser muy intenso y poco naturalista, la pincelada es gratuita y la aplicación de pintura tiende a ser generosa y con mucha textura. Los temas son casi siempre emocionales y, a veces, agresivos.
El periodo empezó con la fundación de un grupo en Dresde: Die Brucke que significa “El Puente” (1905-1913), seguido por otro grupo en Munich: Der Blaue Reiter o “El Jinete Azul” (1911-1914).
Los fundadores en Dresde fueron Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff. Después se unieron Emil Nolde, Max Pechstein y Otto Mueller. Eran contestatarios, agresivos, anti sistema y de gran nivel dramático. Deformaban la realidad plasmando fealdad, miseria, horror y dolor.
Los principales miembros de El Jinete Azul en Munich eran: Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Paul Klee y Alexei Jawlensky. También hubo dos mujeres cuyos nombres la historia parece haber olvidado: Gabriele Munter y Marianne von Werefkin.
Munich era más abierta que Dresde con respecto a las artes. Este segundo grupo era más poético, refinado y espiritual. En lugar deformar, optan por la depuración de las formas hasta llegar a la abstracción. Estaban interesados en el Misticismo, el Simbolismo y arte primitivo, medieval, infantil y de enfermos mentales.
Otros pintores iban por libre, sin unirse a ningún grupo, aunque mas tarde se les denominó como Nueva Objetividad: Max Beckman, Otto Dix, Georges Grosz. Ellos se centraron en plasmar temas del Berlin entre guerras como violencia, prostitución, crímenes, locura, suicidio…
Aunque fue una reacción artística contra todo lo anterior, el movimiento se debe entender como una manifestación del Nuevo Humanismo que pretendía comunicar la vida espiritual del hombre. Fue un grito transmitido por medio del arte, para expresar la profunda inquietud intelectual causada por la destrucción del mundo hasta entonces conocido.
La Primera Guerra Mundial (1914-1918) truncó la confianza en el futuro, aniquilando muchas de las carreras y vidas de los mejores artistas. Muchos de ellos murieron trágicamente, como Kirchner que se suicidó y otros como Marc y Macke, fallecieron demasiado jóvenes, en el frente bélico.
Franz Marc
Franz Marc (1880-1916) fue miembro fundador del grupo Der Blaue Reiter junto con Kandinsky en Munich (1911). El nombre, que significa “El jinete azul”, surgió precisamente del tema favorito de su obra: sus bellísimos caballos azules.
Consideraba a los animales más dignos de representación que los seres humanos. Poco a poco caballos y zorros se convertirían en el tema predilecto de sus composiciones. Trató de plasmar su veneración mística por la naturaleza y la espiritualidad en el mundo animal. Tiene una pintura relativamente desconocida, con un tema bucólico (pero sin animales), que está entre las mejores de su producción: “Desnudos bajo los árboles”, 1911.
Sus pinturas de caballos azules muestran colores primarios brillantes. El color azul y la suave curvatura de los caballos centrales crean una sensación de armonía, paz y equilibrio contra el rojo intenso de las colinas del fondo.
Marc afirmó que este contraste mostraba la yuxtaposición entre espiritualidad tranquila y violencia, evocando una sensación de trascendencia.
Los contornos poderosamente simplificados y redondeados de los caballos se reflejan en los ritmos del fondo del paisaje, uniendo a ambos animales y estableciendo un todo orgánico vigoroso y armonioso. Las líneas curvas simbolizan una sensación de armonía, paz y equilibrio en un mundo animal espiritualmente puro.
Como Kandinsky, Franz estaba imbuido de una filosofía altruista. Ambos querían darle un sentido espiritual al arte.
Hijo de un pintor de paisajes, comenzó sus estudios en la Akademie de Múnich. En 1903 viajó a París, donde conoció de primera mano el Impresionismo y se sintió especialmente atraído por la obra de Vincent van Gogh y Paul Gauguin. En 1906 visitó el monte Athos en Grecia junto a su hermano Paul.
Se casó con la artista Maria Franck, de quien pintó un magnífico retrato pleno de expresión subjetiva. Con ella viajó a Lenggries (Baviera), donde se intensificó su interés por el estudio de los animales.
En 1910 conoció a August Macke, con quien entabló una estrecha amistad. Gracias a él conoció a Bernhard Koehler, futuro mecenas de ambos.
Marc y Kandinsky organizaron la primera exposición del grupo Der Blaue Reiter en Munich 1911. Buscaban exponer colectivamente para mostrar su concepto artístico de la expresión del alma. También publicaron una revista con sus ensayos que se convertiría en todo un manifiesto sobre el nuevo estilo, fundamental para el desarrollo del arte del siglo XX.
En 1912 Marc y Macke viajaron a París, donde conocieron a Robert y Sonia Delaunay y experimentaron las primeras tendencias cubistas. Su obra se distingue por colores brillantes y un estilo más cubista que sus contemporáneos. A partir de entonces las composiciones de Marc tendieron a una mayor abstracción.
Se sintió especialmente unido a Kandinsky, con quien compartía la necesidad de renovar espiritualmente el arte occidental. Esta postura provocó divergencias con otros miembros y terminó con la escisión del grupo en 1914.
Elaboró su proyecto para ilustrar una biblia, como reflejo de sus profundas creencias religiosas. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Franz se alistó voluntario pues creía fervientemente en la capacidad regeneradora de la guerra. Sin embargo, pronto se desilusionó y murió en la batalla de Verdún en 1916.
August Macke
August Macke (1887-1914) es otro de los principales componentes del grupo Der Blaue Reiter junto con Kandinsky, Paul Klee y Jawlensky.
Vivió un período especialmente innovador dentro del ambiente artístico de su país. Mientras en Alemania se desarrollaban las principales tendencias expresionistas, se iban difundiendo los sucesivos movimientos de vanguardia procedentes del resto de Europa.
Como un verdadero contemporáneo de su tiempo, Macke supo asimilar e integrar en su pintura los aspectos que más le interesaron de los distintas estilos que llegó a conocer.
Vivió la mayor parte de su vida creativa en Bonn, salvo algunas estancias en el lago Thun (Suiza) y varios viajes a París, Italia y Holanda y Túnez. En París conoció la obra de los impresionistas. Poco después, en Berlín, trabajó unos meses en el estudio de Lovis Corinth.
Su estilo artístico se inició influenciado por el Impresionismo y el Postimpresionismo francés y después pasó por una fase fauvista.
En 1910, gracias a su amigo Franz Marc, conoció a Kandinsky. Desde entonces, compartió la estética no-objetiva con las preocupaciones místicas y simbólicas del grupo alemán “El jinete Azul”.
El encuentro en París con Robert y Sonia Delaunay en 1912, fue para Macke una auténtica revelación. El cubismo cromático del artista francés, bautizado por Apollinaire como Orfismo, se impuso en su pintura.
Los Escaparates de Macke pueden ser considerados una interpretación personal de las famosas “Ventanas” de los Delaunay, combinadas con la simultaneidad de imágenes del Futurismo italiano.
En 1914 viajó a Túnez junto a Paul Klee y Louis Moilliet. El ambiente exótico fue determinante para la creación de la estética luminista del final de su vida. En esta etapa realizó una serie de obras consideradas como obras maestras del color.
Como su intimo amigo Franz Marc, su carrera se vio truncada por una muerte prematura en el frente de la Primera Guerra Mundial en 1914. Tenía solo 27 años.
Ernst Kirchner
Ernst Kirchner (1880-1938), pintor y grabador alemán, fue otro de los líderes del Expresionismo. Poseía un estilo de pintura maduro y personal, marcado por su tensión psicológica y erotismo.
Nacido en Aschaffenberg, quedó impactado al descubrir las obras de artistas alemanes del Gótico tardío, especialmente Alberto Durero. Pero su influencia principal fue una exposición del noruego Edvard Munch.
Entonces Kirchner comenzó a simplificar sus formas y alegrar sus colores. Este desarrollo se acentuó con su descubrimiento del arte africano y polinesio.
Kirchner estudió arquitectura en Dresde. Allí se hizo amigo de Fritz Bleyl, con quien compartía una visión radical del arte y la naturaleza.
Junto a otros estudiantes de arquitectura crearon un grupo artístico llamado “Die Brücke” (El puente) en 1905. Su objetivo era crear un nuevo modo de expresión artística, formando un “puente” entre las obras clásicas del pasado y las vanguardias del momento.
Sus obras muestran la influencia del Fauvismo que triunfaba en Paris. En 1906, realizaron su primera exposición en una fábrica de lámparas con el desnudo femenino como tema principal. Obras como “Mujer bajo un parasol japonés”, son explícitamente eróticas. En otras, su fantasía de agresión sexual llega a alcanzar una intensidad de pesadilla.
Su arte era una interpretación instantánea y poderosa de sus conflictos internos. Kirchner plasma su preocupación por la maldad y el erotismo humano. Con ritmos curvilíneos, su obra “Calle en Berlín” muestra a agresivas prostitutas que pasean acentuando una sensualidad primitiva oculta bajo vestidos de moda. Una sensualidad que se vuelve abominable por sus contornos salvajes y sus rostros con forma de máscaras.
Kirchner se unió al ejército alemán en 1915 pero en el frente sufrió un colapso mental y físico que le llevó a ingresar en varios hospitales suizos aunque jamás se recuperó.
Los nazis tildaron su trabajo de “arte degenerado” en 1937 y llegaron a destruir 600 de sus pinturas. Esto le obligó a renunciar de la Academia de Artes de Berlín.
Los trágicos eventos y las secuelas de la guerra le llevaron a una grave depresión que finalmente culminó en suicidio cerca de Davos (Suiza).
Un amplio concepto del Expresionismo
No fue un movimiento homogéneo. Por extraño que parezca, hay un expresionismo modernista, fovista, cubista, futurista, surrealista, abstracto, etc…
El término se asocia específicamente al arte alemán moderno, en particular los grupos Die Brücke y Blaue Reiter.
Aunque surgió en Alemania, artistas de la Escuela de Paris como Modigliani, Chagall y Soutine pintaron en su propio estilo expresionista. Franceses y alemanes expusieron juntos a principios del siglo XX.
Con una destrucción del espacio tridimensional, usaban temas simbólicos para hablar de la muerte y del dolor. Fue un arte personal e intuitivo con colores estridentes, formas muy angulosas, pinceladas nerviosas y dramatismo. Todo para hacer entender mejor su mensaje, un grito que nunca buscó ser un misterio, sino todo lo contrario.
La paradoja es que el término “expresionista” se puede aplicar a obras de arte de cualquier época, incluso anteriores. Me atrevo a decir que podría comenzar con Goya y sus pinturas negras o incluso El Bosco.
En el Siglo XX forma una corriente importante de arte moderno que incluye, entre otros, a Vincent Van Gogh, Edvard Munch, Modigliani, Soutine, Georges Rouault, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Henry Moore, Graham Sutherland, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet, Georg Baselitz, Anselm Kiefer… hasta el Neoexpresionismo de los años ochenta.
Después de la Segunda Guerra Mundial, se desarrolló una nueva forma de este estilo en América, conocida como Expresionismo Abstracto.
Si tuviera que elegir un concepto final para describir el término mas amplio del Expresionismo en el arte, diría que se trata de distorsionar la visión del mundo exterior para mostrar los sentimientos y emociones del mundo interior en el subconsciente del artista. Para resumir:
El Expresionismo es cerrar los ojos a la realidad para expresar lo que sucede dentro de la mente y el corazón.
Munch y Van Gogh, precursores del Expresionismo
Aunque nacieron casi medio siglo antes y no son alemanes, Edvard Munch y Vincent Van Gogh se consideran precursores clave del Expresionismo por la fuerte expresividad de los rostros y la psicología a flor de piel en toda su obra.
Van Gogh fue un gran loco genial, divinizado en la actualidad pero totalmente incomprendido durante su vida. Vivía para pintar lo que sentía su alma enferma y jamás pudo vender un solo cuadro.
También Munch fue constantemente torturado por su mente tortuosa y su triste existencia. Ambos expresaban sus sentimientos más profundos, pintando tragedias humanas como soledad, angustia, muerte y erotismo.
Precisamente estos serían años más tarde, los temas favoritos de los expresionistas.
“El grito” de Munch es una de las obras de arte moderno más emblemáticas pero si hay una pintura que se ha convertido en un icono cultural de nuestra era, es “Noche Estrellada” de Van Gogh.
Es interesante que dos de los iconos de la pintura encarnan el profundo sentido de angustia y ansiedad que impregnó la era modernista.
Ambos se basan en las experiencias dramáticas de sus autores, que pintan, como gritando al mundo con sus pinceles, expresando su profunda desesperación.
Aunque son anteriores (1893 y 1889) y no pertenecen a ningún grupo Expresionista, sin duda fueron inspiración y plasman el espíritu que late en la filosofía de este movimiento que tanto ha influenciado a artistas de los Siglos XX y XXI.
«Igual que Leonardo Da Vinci estudió la anatomía humana diseccionando cuerpos, yo trato de diseccionar almas.»
Munch
