Cubismo
Uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX es el Cubismo. Marcó un importante punto de inflexión en toda la evolución del arte moderno y sigue siendo una fuente clave de inspiración para muchos artistas actuales.
Este estilo que tanto influyó a las artes visuales, fue creado en París por Pablo Picasso y Georges Braque, entre 1907 y 1914.
Se le atribuye haber allanado el camino para la Abstracción pura que dominó el arte occidental durante los siguientes 50 años. Además, inspiró movimientos posteriores como el Futurismo, el Constructivismo, el Dadaísmo y el Surrealismo.
A los pioneros Picasso y Braque se sumaron más tarde Juan Gris, Fernand Léger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Jean Metzinger, Henri Le Fauconnier…
Algunas obras anteriores del post impresionista Paul Cézanne, que representan formas tridimensionales, se consideran las principales influencias que desembocaron en el Cubismo.
El crítico de arte francés Louis Vauxcelles acuñó el término cubismo tras ver lo que Braque pintaba en 1908 emulando a Cézanne. “Le Viaduc de L’Estaque” es uno de esos paisajes.
Vauxcelles llamó “cubos” a esas formas geométricas abstractas. Los volúmenes de las casas, las formas cilíndricas de los árboles y el esquema cromático tostado y verde recuerdan a Paul Cézanne.
Sin embargo, fue Picasso con “Demoiselles d’Avignon«, quien presagió el nuevo estilo en 1907. Aquí, las formas de cinco desnudos femeninos se convierten en lineas angulares y fracturadas. La perspectiva se representa a través del color, con los cálidos marrones rojizos avanzando y los fríos azules retrocediendo.
Otras influencias en el Cubismo temprano se han relacionado con el Primitivismo y el arte no occidental.
En las obras cubistas hasta 1910, el tema de la imagen era generalmente discernible. Durante el Cubismo Analítico (1910-12), Picasso y Braque abstrajeron tanto sus obras que se redujeron a solo una serie de planos y facetas superpuestas, principalmente en marrones, grises o negros casi monocromáticos.
Los pintores cubistas rechazaron el concepto heredado de que el arte debía copiar a la naturaleza, o adoptar las técnicas tradicionales de perspectiva, modelado y escorzo.
Desmantelaron las formas tradicionales para enfatizar el plano bidimensional de la imagen. Redujeron y fracturaron objetos en formas geométricas y luego los realinearon dentro de un espacio poco profundo similar a un relieve. También utilizaron puntos de vista múltiples o contrastantes.
Al tomar estas medidas, destruyeron el «ilusionismo» tradicional en la pintura.
A diferencia de Picasso y Braque, cuyas obras cubistas eran prácticamente monocromáticas, Juan Gris se caracterizó por pintar con colores vivos y armoniosos en atrevidas y novedosas combinaciones a la manera de su amigo Matisse.
El español Juan Gris pintó al estilo del Cubismo Analítico, término que él mismo inventó. A partir de 1913 inició su transición al Cubismo Sintético, con un uso extensivo del papel pegado o collage.
Picasso y Braque introdujeron el collage como una nueva e importante forma de arte moderno.
Sus orígenes se remontan a cientos de años, pero esta técnica hizo una reaparición espectacular como una forma de arte innovadora.
Utilizaron fragmentos de imágenes de la cultura popular producida en masa, cambiando así la definición misma del arte.
Otro artista clave en el movimiento cubista es Fernand Léger. En 1911, el comité del Salon des Indépendants reunió a los pintores identificados como «cubistas«. Fernand Léger, junto con Metzinger, Albert Gleizes, Le Fauconnier y Robert Delaunay fueron los encargados de revelar este nuevo estilo al gran público por primera vez, como grupo organizado.
El estilo cubista enfatizó la superficie plana y bidimensional del plano pictórico, rechazando las técnicas tradicionales de perspectiva, escorzo, modelado y claroscuro y rechazando las teorías consagradas donde el arte debía imitar la naturaleza.
Los pintores cubistas no estaban obligados a copiar forma, textura, color y espacio. En cambio, presentaron una nueva realidad en pinturas que representaban objetos radicalmente fragmentados.
Cubismo Analítico
El desarrollo del movimiento desde 1910 hasta 1912 a menudo se denomina Cubismo Analítico. Durante este período, la obra de Picasso y Braque se volvió tan similar que sus pinturas son casi indistinguibles.
Ambos favorecían la construcción en ángulo recto y en línea recta, aunque ocasionalmente algunas áreas de sus pinturas parecen escultóricas, como en “Mujer con mandolina” de Picasso (1910).
Simplificaron sus esquemas de color a una escala casi monocromática para no distraer al espectador del interés principal del artista: la estructura de la forma misma. El esquema de color monocromático fue principalmente con tonos de bronce, marrón, gris, crema, verde y azul.
Se adaptaron para representar vistas múltiples y complejas del objeto, que se redujo a planos opacos y transparentes superpuestos. Estos parecen moverse más allá de la superficie del lienzo en lugar de retroceder en profundidad.
Las formas son generalmente compactas y densas en el centro, y se hacen más grandes a medida que se difunden hacia los bordes del lienzo, como en “Retrato de Ambroise Vollard” de Picasso (1909-10).
En su obra de este período, Picasso y Braque combinaron motivos figurativos con letras; sus temas favoritos eran instrumentos musicales, botellas, cántaros, vasos, periódicos y el rostro y la figura humana.
Cubismo Sintético
El interés por este tema continuó después de 1912, durante la fase identificada como Cubismo Sintético.
Aquí los artistas enfatizan la combinación de formas en la imagen. El color asume un papel importante. Las formas, aunque fragmentadas y planas, son mas grandes y decorativas. Las superficies lisas y rugosas contrastan entre sí. Los materiales extraños, como periódicos o envoltorios de tabaco, se pegan sobre el lienzo en combinación con las áreas pintadas.
Esta técnica de collage enfatiza aún más las diferencias de textura y plantea la cuestión de qué es realidad y qué es ilusión.
«No hay arte abstracto. Siempre debes empezar con algo. Después puedes eliminar todos los rastros de la realidad»
Pablo Picasso
Leonard Lauder (hijo de Estee Lauder) fue un filántropo y multimillonario de la cosmética, que adquirió obras maestras para formar la colección más valiosa de arte cubista en manos privadas. Lauder, promete donar toda su colección (más de 80 pinturas) al Metropolitan Museum de Nueva York.
En 2014 el museo presentó “Cubism: The Leonard Lauder Collection”, exposición con sus pinturas, collages, dibujos y esculturas de los principales cubistas.
Aunque principalmente asociado con la pintura, el Cubismo también ejerció una profunda influencia en la escultura, la arquitectura y la música del siglo XX.
Los principales escultores cubistas fueron Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon y Jacques Lipchitz.
La adopción de la estética cubista por parte del arquitecto suizo Le Corbusier se refleja en las formas de las casas que diseñó en la década de 1920.
En música, el compositor Igor Stravinsky le dio crédito al cubismo por tener un impacto en su trabajo.
Rechazando las restricciones del Realismo, los artistas abstractos buscaron explorar los mundos de su imaginación, la libertad de expresión y seguir su deseo de dar rienda suelta a la espontaneidad.
A lo largo de los años, muchos artistas, teóricos, historiadores y críticos han expresado sus diferentes puntos de vista. Después de todo, los pintores se han «abstraído» del mundo que les rodea desde tiempos prehistóricos.
Artistas, críticos de arte e historiadores llevan discutiendo y debatiendo opiniones contradictorias sobre el Arte Abstracto durante décadas.
El Cubismo, el movimiento artístico más influyente, todavía resuena hoy. Destruyó el ilusionismo tradicional en la pintura y cambió radicalmente la forma cómo vemos el mundo.
